Con uno stile che ricorda i fratelli Coen più leggeri, il lungometraggio d’esordio di Grant Heslov (già sceneggiatore di Good night, and good luck) narra le vicende di un distaccamento dell’esercito americano di ispirazione hippie il cui scopo è quello di sostituire le armi con i poteri della mente.

Pur non mancando qualche appiglio critico all’attualità (Bush, al-Qaeda, la guerra in Iraq) si tratta in fin dei conti di una divertente ma innocua commedia di ambientazione militaresca, una farsa senza troppe pretese che fa di alcune trovate buffe o surreali i suoi soli punti di forza. Spassosa l’interpretazione sopra le righe di George Clooney e Jeff Bridges, più controllati Ewan McGregor e un invecchiato Kevin Spacey. Bella la selezione di brani rock nella colonna sonora, tra i quali spicca la super kitsch More than a feeling dei Boston.

Alberto Gallo

Almodòvar e Penelope Cruz. Come dire Truffaut e Jeanne Moreau, Antonioni e Monica Vitti, Cassavetes e Gena Rowlands.

Una collaborazione artistica, arrivata al terzo film, da cui aspettarsi grandi cose.

Eppure, a differenza dei capolavori del passato (Tutto su mia madre, Volver – ah che meraviglia! Basterebbero questi due titoli per essere eternamente grati al regista spagnolo), stavolta il meccanismo si è inceppato: una trama un po’ telefonata, un mistero poco misterioso, qualche sterile (auto)citazione…

Insomma, Abbracci spezzati è ahinoi una delusione.

Non che la pellicola non parta bene, con quegli intrecci temporali e quella concatenazione di eventi e persone che rimandano a un altro Almodòvar d’annata, ovvero alla Mala educaciòn. E come accadeva in quel film anche in Abbracci spezzati è l’elemento metacinematografico a farsi carico dello sviluppo narrativo. Ma si tratta, in questo caso, di un espediente abbastanza banale, prevedibile e poco interessante; specialmente nella parte finale, in cui viene mostrato un lungo e noioso spezzone di Donne e valigie, film nel film interpretato dal personaggio di Penelope Cruz.

C’è poi il solito problema dei personaggi maschili: in questa pellicola Almodòvar conferma di essere tanto bravo a scegliere le attrici quanto incompetente ad assegnare i ruoli maschili – di cui, viene da pensare, non gli importa un granchè, relegando gli attori a interpretare parti insulse (Lluís Homar, che pure di Abbracci spezzati dovrebbe essere il co-protagonista) o macchiettistiche (Rubén Ochandiano). Certo nel passato alcune notevoli eccezioni non sono mancate – mi riferisco ad Antonio Banderas (La legge del desiderio, Donne sull’orlo di una crisi di nervi, Legami!) e a Gael García Bernal (La mala educaciòn), ma di eccezioni appunto si tratta.

Abbracci spezzati è un film dimenticabile, non completamente privo di lampi di genio ma nemmeno all’altezza di molti altri lavori di Pedro Almodòvar.

Alberto Gallo

- I vincitori del TFF, da Repubblica (21 nov 2009)

- “La bocca del lupo” trionfa a Torino, da La Stampa (21 nov 2009)

- “Lo schermo dell’arte” a Firenze, dall’Unità (21 nov 2009)

- Al TFF vince l’amore trans, dal Corriere della Sera (22 nov 2009)

- Lidia Ravera intervista Gianni Amelio, dall’Unità (22 nov 2009)

- Woody Allen meets Carla Bruni, dal Corriere della Sera (24 nov 2009)

- Polanski libero su cauzione, da Repubblica (25 nov 2009)

- Botteghino, gli incassi del 2009, da La Stampa (26 nov 2009)

Un film un po’ svogliato e impersonale, quest’ultimo di Michael Mann, che narra in modo abbastanza banale le gesta di John Dillinger, gangster nella Chicago degli anni ‘30. Le solite sparatorie, le solite rapine in banca, il solito poliziotto incorruttibile, la solita pupa del boss, il solito tradimento… Certo, stavolta non c’era molta scelta dal momento che si tratta di una storia vera, ma l’impressione finale è quella di aver già visto tutto decine di altre volte.

E il problema è proprio questo: negli ultimi settant’anni il gangster movie sembra aver dato tutto ciò che poteva dare, trattandosi ormai di un genere fuori dal tempo, spolpato, esattamente come il western. Nato, morto e resuscitato più volte (da Scarface a Bonnie and Clyde, dal Padrino a C’era una volta in America, da Piccolo Cesare a Quei bravi ragazzi), dagli anni ‘30 agli anni ‘90 il genere gangsteristico ha sfornato capolavori a raffica, attraversando e facendo proprie mode e fasi storiche del Novecento. Ma nel terzo millennio, salvo rare eccezioni (La promessa dell’assassino), sembra aver smarrito la sua identità, rifugiandosi nei luoghi comuni o nel manierismo: opere come Era mio padre o The departed, per non parlare di trite parodie come Terapia e pallottole, faticano a trovare una propria dimensione.

Stesso discorso per Nemico pubblico: privo della grandiosa malinconia propria delle opere migliori di Mann (Insider, Alì, Collateral), ma anche del ritmo e dell’esaltante violenza che hanno reso memorabili i gangster movie più riusciti, si pone come via di mezzo tra il dramma privato e il film di genere, senza convincere però nè su un versante nè sull’altro. Va da sè che si tratta comunque di un buon film, essendo diretto da un veterano di grande mestiere, ma ciò che manca è l’anima.
Pessimo il doppiaggio italiano.

Tra poche settimane il primo decennio del XXI secolo se ne sarà andato. Ecco dunque una classifica dei 50 film più belli e memorabili di questi dieci anni, suddivisa in due parti: “top 20″ e “gli altri 30″. All’interno delle due categorie ho disposto i film in ordine cronologico. Solo due regole: 1) i film devono essere usciti al cinema (motivo per cui non c’è, per esempio, Angels in America); 2) in ogni categoria è ammesso un solo film per ogni regista. Al fondo due ulteriori classifiche, dedicate all’Italia e ai cartoni animati. All’interno di ogni sezione i film sono disposti in ordine cronologico.

*** TOP 20 ***
1 – La città incantata, di Hayao Miyazaki
(Giappone, 2001)
2 – La 25ª ora, di Spike Lee
(Usa, 2002)
3 – Il pianista, di Roman Polański
(Regno Unito/Francia/Polonia/Germania, 2002)
4 – Mystic river, di Clint Eastwood
(Usa, 2003)
5 – Big fish, di Tim Burton
(Usa, 2003)
6 – Dogville, di Lars Von Trier
(Danimarca/Francia/Svezia/Norvegia, 2003)
7 – Le invasioni barbariche, di Denys Arcand
(Canada/Francia, 2003)
8 – Eternal sunshine of the spotless mind, di Michel Gondry
(Usa, 2004)
9 – Ferro 3, di Kim Ki-duk
(Corea del Sud, 2004)
10 – Match point, di Woody Allen
(Regno Unito/Irlanda/Usa/Russia, 2005)
11 – Inland empire, di David Lynch
(Usa/Polonia/Francia, 2006)
12 – Il vento che accarezza l’erba, di Ken Loach
(Gran Bretagna, 2006)
13 – Le vite degli altri, di Florian Henckel von Donnersmarck
(Germania, 2006)
14 – Volver, di Pedro Almodóvar
(Spagna, 2006)
15 – La promessa dell’assassino, di David Cronenberg
(Gran Bretagna/Canada, 2007)
16 – Lo scafandro e la farfalla, di Julian Schnabel
(Francia/Usa, 2007)
17 – Io non sono qui, di Todd Haynes
(Usa/Germania, 2007)
18 – Non è un paese per vecchi, di Joel e Ethan Coen
(Usa, 2007)
19 – Il petroliere, di Paul Thomas Anderson
(Usa, 2007)
20 – Wall-e, di Andrew Stanton
(Usa, 2008)

*** GLI ALTRI 30 ***
21 – Fratello, dove sei?, di Joel e Ethan Coen
(Usa, 2000)
22 – La stanza del figlio, di Nanni Moretti
(Italia, 2001)
23 – Mulholland drive, di David Lynch
(Francia/Usa, 2001)
24 – Il favoloso mondo di Amélie, di Jean-Pierre Jeunet
(Francia, 2001)
25 – Il ladro di orchidee, di Spike Jonze
(Usa, 2002)
26 – The hours, di Stephen Daldry
(Usa, 2002)
27 – Primavera, estate, autunno, inverno… e ancora primavera, di Kim Ki-duk
(Corea del Sud, 2003)
28 – La meglio gioventù, di Marco Tullio Giordana
(Italia, 2003)
29 – Kill Bill Vol. 1 & 2, di Quentin Tarantino
(Usa, 2003-2004)
30 – Le conseguenze dell’amore, di Paolo Sorrentino
(Italia, 2004)
31 – Million dollar baby, di Clint Eastwood
(Usa, 2004)
32 – 2046, di Wong Kar-Wai
(Francia/Hong Kong, 2004)
33 – Collateral, di Michael Mann
(Usa, 2004)
34 – The village, di M. Night Shyamalan
(Usa, 2004)
35 – Mare dentro, di Alejandro Amenábar
(Spagna/Francia/Italia, 2004)
36 – Heimat 3, di Edgar Reitz
(Germania, 2004)
37 – Hotel Rwanda, di Terry George
(Canada/Gran Bretagna/Italia/Sudafrica, 2004)
38 – The jacket, di John Maybury
(Usa, 2005)
39 – Good night and goodluck, di George Clooney
(Usa, 2005)
40 – The departed, di Martin Scorsese
(Usa, 2006)
41 – Radio America, di Robert Altman
(Usa, 2006)
42 – I figli degli uomini, di Alfonso Cuarón
(Gran Bretagna/Usa, 2006)
43 – L’ultimo inquisitore, di Milos Forman
(Spagna, 2006)
44 – Inside man, di Spike Lee
(Usa, 2006)
45 – Persepolis, di Marjane Satrapi e Vincent Paronnaud
(Francia/Usa, 2007)
46 – Sogni e delitti, di Woody Allen
(Usa/Gran Bretagna, 2007)
47 – Il treno per il Darjeeling, di Wes Anderson
(Usa, 2007)
48 – Onora il padre e la madre, di Sidney Lumet
(Usa, 2007)
49 – Gomorra, di Matteo Garrone
(Italia, 2008)
50 – Il nastro bianco, di Michael Haneke
(Austria/Francia/Germania, 2009)

*** ITALIA – TOP 10 ***
1 – La stanza del figlio, di Nanni Moretti (2001)
2 – Il mestiere delle armi, di Ermanno Olmi (2001)
3 – Buongiorno, notte, di Marco Bellocchio (2003)
4 – Io non ho paura, di Gabriele Salvatores (2003)
5 – La meglio gioventù, di Marco Tullio Giordana (2003)
6 – Le conseguenze dell’amore, di Paolo Sorrentino (2004)
7 – Romanzo criminale, di Michele Placido (2005)
8 – La terra, di Sergio Rubini (2006)
9 – Gomorra, di Matteo Garrone (2008)
10 – Tutta la vita davanti, di Paolo Virzì (2008)

*** CARTONI ANIMATI – TOP 10 ***
1 – La città incantata, di Hayao Miyazaki
(Giappone, 2001)
2 – Shrek, di Vicky Jenson e Andrew Adamson
(Usa, 2001)
3 – L’era glaciale, di Chris Wedge e Carlos Saldanha
(Usa, 2002)
4 – Alla ricerca di Nemo, di Andrew Stanton
(Usa, 2003)
5 – Appuntamento a Belleville, di Sylvain Chomet
(Francia, 2003)
6 – La sposa cadavere, di Tim Burton e Mike Johnson
(Gran Bretagna, 2005)
7 – Persepolis, di Marjane Satrapi e Vincent Paronnaud
(Francia/Usa, 2007)
8 – Wall-e, di Andrew Stanton
(Usa, 2008)
9 – Valzer con Bashir, di Ari Folman
(Israele/Germania/Francia, 2008)
10 – Up, di Pete Docter e Bob Peterson
(Usa, 2009)

Alberto Gallo

Ps: il posto per l’ultimo film da salvare è ancora vacante…

Questo film è stato presentato in anteprima alla XXVII edizione del Torino Film Festival, il 18 novembre 2009.

Di nuovo una famiglia. Di nuovo una famiglia di immigrati di origine italiana. Ma le analogie con il Padrino finiscono qui. L’ultimo film di Francis Ford Coppola, ambientato in Argentina, è una storia intima e melodrammatica su due fratelli che si incontrano dopo anni di lontananza: il maggiore, Tetro (abbreviazione del cognome Tetrocini), è uno scrittore fallito; il minore, Benjamin, è un diciottenne che ancora non ha capito bene cosa fare della sua vita. Su di loro grava inquietante l’ombra del padre, geniale e spietato musicista di fama mondiale.

Un film strano. La prima metà è estremamente europea, con una vicenda famigliare un po’ tragica e un po’ leggera che fa pensare ad Almodovar (non a caso tra gli interpreti figura anche Carmen Maura, musa del regista spagnolo) e uno stile registico quasi tedesco (se non fosse per i titoli di testa si potrebbe pensare di essere davanti a un’opera di Wim Wenders, e l’alternanza di b/n e colore ricorda Heimat). La seconda parte, invece, meno riuscita, è di stampo più hollywoodiano, con tanto di “io sono tuo padre” (frase che da Guerre stellari – o Beautiful – in poi non può che far sorridere) e riconciliazione finale.

Tetro può piacere o non piacere (anzi, può piacere e non piacere), ma va detto che Coppola è uno dei pochi registi americani di fama mondiale che è stato in grado di prendere il suo nome, buttarlo nel gabinetto, tirare l’acqua e ricominciare a fare cinema come piace a lui, senza alcuna urgenza di stampo autoriale o tantomeno commerciale. Da questa pellicola (come dalla precedente Un’altra giovinezza) trasuda una sana e ammirevole (Coppola ha compiuto quest’anno 70 primavere) voglia di raccontare delle storie, di descrivere situazioni e sensazioni inedite, di dialogare con il pubblico in modo non scontato. Senza contare, comunque, che alcune scene sono veramente da antologia – su tutte quella della rappresentazione tetrale di Fausta, versione transgender e, ancora, almodovariana dell’opera di Goethe.

Ottima l’interpretazione dei protagonisti, il redivivo Vincent Gallo e Maribel Verdú, già vista nel Labirinto del fauno.

Alberto Gallo

- I centri sociali occupano il Torino Film Festival, da La Stampa (14 nov 2009)

- Anteprima mondiale di “Nine”, dal Corriere della Sera (15 nov 2009)

- Il TFF anticipa la Festa di Roma, da La Stampa (16 nov 2009)

- Nicole Kidman sarà un trans, da Repubblica (16 nov 2009)

- Oscar in anticipo a Lauren Bacall, da Repubblica (16 nov 2009)

- Coppola a Torino, da La Stampa (18 nov 2009)

- Coppola e il cinema 3D, dal Corriere della Sera (18 nov 2009)

Questo film è stato presentato in anteprima alla XXVII edizione del Torino Film Festival, il 14 novembre 2009.

Impossibile contenere la gioia e le aspettative quando un grande regista (in questo caso Jonathan Demme) incontra un grandissimo rocker (in questo caso Neil Young) per farne un documentario. Era già successo nel 2006 con lo splendido Heart of gold, che immortalava il loner canadese in splendida forma nel suo aspetto più country.

Con Trunk show, invece, a emergere è l’anima rock di Neil Young, la furia delle sue talvolta lunghissime cavalcate elettriche (Like a hurricane, Cinnamon girl), intervallate però da canzoni più intimiste e riflessive (su tutte le splendide Ambulance blues e Mellow my mind, raramente eseguite in concerto).

Eppure, nonostante la grande (sebbene talvolta estenuante: alcuni pezzi risultano davvero interminabili) musica, questo film non decolla, limitandosi a testimoniare un concerto (uno dei tanti) di Neil Young, senza arricchire il piatto con – tanto per dire – interviste o materiale d’archivio. Nemmeno le immagini – spesso volutamente mosse e sgranate – possono essere definite “belle”. Niente a che vedere con l’ultima, splendida opera di fiction del regista americano, Rachel getting married, altrettanto semplice e “indipendente” ma di gran lunga più elegante e necessaria.

In fin dei conti Trunk show è un filmino amatoriale o poco più, un prodotto lo-fi consigliabile soltanto ai fan più sfegatati del vecchio Neil. Tra cui, comunque, mi ci metto con piacere.

Alberto Gallo

Questo film è stato presentato in anteprima alla XXVII edizione del Torino Film Festival, domenica 15 novembre 2009.

Non si sa nulla di quegli otto detenuti in fuga per le inospitali foreste della Tasmania – perchè siano stati imprigionati, cosa facessero prima della deportazione, la loro età o il luogo esatto di provenienza. Tutto ciò che sappiamo è che sono uomini in fuga, disposti a tutto pur di sopravvivere in un ambiente ostile lontano da qualsiasi forma di civiltà. Siamo nel 1822, l’impero inglese è al suo apice e il concetto di diritto civile è ancora soltanto un’utopia. Gli otto fuggitivi lo sanno bene, e pur di non consegnarsi nelle mani dei carcerieri cominciano a mangiarsi tra loro, uno dopo l’altro, in preda al delirio della fame più nera. Si salvi chi può, il resto non conta. Uno dopo l’altro tutti i galeotti finiscono negli intestini dei compagni. Tutti tranne uno.

Ispirato a una storia vera (la storia di Alexander Pierce, impiccato per cannibalsimo nel 1824), Van Diemen’s Land è un film disperato e inquietante, una pellicola per stomaci forti che non lascia alcuno spiraglio a sentimenti di cameratismo, fratellanza o umanità: gli otto fuggitivi non diventano amici, non si aiutano l’un l’altro, non collaborano per sopravvivere a una natura ostile. Tutto ciò che fanno è sfottersi, insultarsi, odiarsi (anche per ragioni “etniche”: alcuni sono inglesi, altri irlandesi) e, infine, mangiarsi, con un senso di colpa di giorno in giorno sempre minore.

A metà strada tra Herzog e Papillon, il film di Jonathan auf der Heide, di produzione australiana, è un capolavoro di nichilismo totale, una pellicola capace di mostrare, senza mai scadere nella pornografia (la morte dei galeotti è quasi sempre relegata nel fuori campo), anzi con straziante e impassibile eleganza, tutta la violenza e la crudeltà di cui è capace l’uomo. Ma anche il freddo, la fame, la solitudine, la paura. Da non sottovalutare il discorso politico: Van Diemen’s land è la dimostrazione di come la violenza di stato, sotto forma di disumana prigionia, possa condurre l’uomo verso azioni ben più tragiche di quelle che vorrebbe punire. Una denuncia quantomai attuale.

Alberto Gallo

Il film è stato presentato in anteprima al XXVII Torino Film Festival, come evento d’apertura, venerdì 13 novembre 2009.

Liverpool, 1957: il diciassettenne John Lennon scopre il rock’n'roll, l’universo femminile e la ribellione. Ma soprattutto scopre sua madre Julia, irresponsabile, giovanile e anticonformista, che l’aveva abbandonato all’età di cinque anni, lasciandolo in casa della sorella Mimi, premurosa e severa.

Nowhere boy, della giovane regista inglese Sam Taylor-Wood, già artista concettuale e autrice del delizioso corto Love you more, è un film semplice e delicato, che affronta in modo non banale la (problematica, ma tutto sommato normale) giovinezza di uno dei più grandi artisti del Novecento. Ogni singolo minuto di pellicola trasuda affetto e riconoscenza nei confronti di John Lennon, che viene descritto in tutta la sua ingenua umanità di adolescente infelice – cosa tutt’altro che scontata, considerato il fatto che molti di noi sono da sempre abituati a pensare a John come a qualcosa di più e di meglio che un semplice essere umano.

Bella la colonna sonora rock’n'roll e convincente l’interpretazione dei protagonisti, tra cui spicca la sempre ottima Kristin Scott Thomas. La ragione sociale del gruppo fondato da Lennon (intendo dopo i Quarrymen) non viene mai nominata.

Alberto Gallo